"Río sin retorno" en la Filmoteca

Robert Mitchum y Marilyn Monroe en "Río sin retorno" (1954)

 

En el inicio de su temporada de Otoño, la Filmoteca del IVAC completa con cuatro películas más el ciclo conmemorativo del cincuenta aniversario del fallecimiento de Marilyn Monroe, organizado en colaboración con el Aula de Cine de la Universidad de Valencia y  que se proyectó en la Filmoteca d'Estiu en los Jardines del Palau de la Música durante el mes de agosto. La primera es el western "Río sin retorno", única incursión de Otto Preminger en este género.

  

Miércoles, 19 de septiembre de 2012 - 20:00 h. (Sala Luis G. Berlanga, Valencia)

Jueves, 20 de septiembre de 2012 - 18:00 h. (Sala Luis G. Berlanga, Valencia)

RÍO SIN RETORNO (RIVER OF NO RETURN)

Otto Preminger · EEUU · 1954 · VOSE · Color · 91' · 35 mm.

Dirección: Otto Preminger

Guión: Frank Fenton

Fotografía: Joseph La Shelle

Música: Cyril J. Mockridge

Montaje: Louis Loeffler

Dirección artística: Addison Hehr, Lyle Wheeler

Productor: Stanley Rubin

Intérpretes: Robert Mitchum, Marilyn Monroe, Rory Calhoun, Tommy Rettig, Murvyn Vye

Producción: Twentieth Century Fox

Argumento: Louis Lantz

Sinopsis:

La tranquilidad de un hombre que vive con su hijo en el campo se ve amenazada por la llegada de un jugador profesional y una cantante de saloon que huyen de los indios.

Cine Andaluz en la Filmoteca

La Filmoteca de Valencia inicia a partir de hoy la temporada de otoño con un ciclo de cine Andaluz, organizado en colaboración con la Filmoteca de Andalucía, proyectando a las 18.00h. "Astronautas" (2003) de Santi Amodeo y a las 20.00h. "Solas" (1999) de Benito Zambrano. Mañana  a las 1800 h. se proyectará "La vida perra de Juanita Narboni" (2005) de Farida Benlyazid. Esta primera entrega del ciclo estará compuesta por 9 largometrajes y habrá más adelante una segunda parte, con películas de décadas anteriores, conservadas por la Filmoteca de Andalucía.

El protagonista de "Astronautas" es Daniel, un poeta y dibujante de cómics que acaba de superar una larga adicción e intenta reorganizar su cotidianeidad siguiendo las pautas de su psiquiatra. En ese momento, una adolescente irrumpe en su vida de forma inesperada. 

Astronautas se proyectará también el viernes 21 de septiembre a las 20:15h. en la Sala Luis G. Berlanga.

"Solas" cuenta la historia de María, una mujer que malvive fregando suelos y ahoga sus penas en alcohol. María acoge a su madre, que se instala en la ciudad mientras su marido está ingresado en el hospital. Allí entabla relación con un vecino de su hija, un anciano que vive sólo. 

Opera prima de Benito Zambrano, "Solas" obtuvo el Premio del Público en la Sección Panorama del Festival de Cine de Berlín y cuatro premios Goya. 

Solas se proyecta también el sábado 22 de septiembre de 2012 a las 18:00h. en la Sala Luis G.Berlanga.

"La vida perra de Juanita Narboni" nos muestra a Juanita, hija de padre inglés de Gibraltar y de madre andaluza, que no asume los cambios históricos de la ciudad de Tánger y se va quedando sola en un paraíso perdido, atravesado por la guerra civil española y la Segunda Guerra Mundial.

"La vida perra de Juanita Narboni" también se proyectará el jueves 20 de septiembre a las 20.00h. en la Sala Luis G. Berlanga.

Declárate al cine

En la página web de Fiesta del Cine, están haciendo un curioso concurso. Consiste en declararse al cine, es decir, escribir una carta, un relato o un poema, contando por qué amas el cine y qué es lo que más te gusta de él. Entre todos los participantes sortearán dos entradas de cine para un año, lo que vienen a ser, 56 entradas dobles.

Cerveza agitada pero no revuelta

Yo no es que sea precisamente fan de Daniel Craig, el actual James Bond, que tengo que reconocer que no es de mis favoritos, ni mucho menos. Pero hoy, no va por ahí mi queja respecto a “Skyfall”, la nueva película de 007. Mi enérgica protesta y la de muchos otros, se refiere a la bebida alcohólica consumida por Mr. Bond.

Pregunta de concurso: ¿Qué es lo que bebe James Bond? Tiempo: tic, tac, tic, tac. Martini, agitado pero no revuelto. ¡No! O al menos, ya no. Ahora va a beber Heineken. Sí, cerveza. ¿Y por qué? Porque la Heineken ha pagado 60 millones de dólares para que así sea. Veremos a Daniel Craig bebiendo cerveza en la película y protagonizando una serie de anuncios de la marca. El que paga manda, señores.

Por una parte, George Lazenby, único Bond que sólo hizo una película y considerado comúnmente como el peor de todos (a su favor diré que ni siquiera era actor sino modelo, y que Timoty Dalton, que si que es supuestamente actor, tampoco lo hizo mucho mejor), ha comentado que ni siquiera es la mejor cerveza del mercado.

Comentarios jocosos aparte, a muchos fans no les ha hecho gracia el asunto, porque consideran que eso de que un agente secreto sofisticado como Bond, que frecuenta sitios de esos de ir con smoking, le diga al camarero de turno “ponme una birra”, pues como que pierde mucho glamour. De hecho, han creado una página de facebook, como no, para quejarse al respecto, en la que proponen abuchear la escena en la que beba cerveza.

Cine gratis reciclando cartuchos de impresora

La franquicia Tutoner, dedicada al reciclaje de cartuchos de tinta y tóner láser, ha iniciado una campaña de recogida de cartuchos vacíos, juntamente con los cines Kinépolis de Paterna. Por cada tres cartuchos de tinta o dos tóners de impresora láser, se entregará una entrada de cine válida para cualquier día de la semana y para cualquier horario, excepto 3D. 

Grace Kelly

Grace Kelly y Ava Gardner en "Mogambo" (1953)

Ayer hizo 30 años que murió Grace Kelly. Este año estamos de aniversarios relacionados con chicas Hitchcock, con quien trabajó en tres películas, “Crimen perfecto” con Ray Milland (1954), “La ventana indiscreta” (1954) con James Stewart y “Atrapa a un ladrón” (1955) con Cary Grant (para mi gusto, la mejor etapa de su filmografía).

Nació en Filadelfia (Pensilvania), en una familia de origen irlandés y católica. Su padre era empresario y, como nota curiosa, había ganado tres medallas de oro olímpicas en remo.Trabajó en Nueva York de modelo y estudió interpretación en la Academia Nacional de Arte Dramático. Hizo algo de teatro en Broadway y algunos papeles en televisión, hasta que se fue a Los Ángeles, donde consiguió su primer papel secundario en 1951 en la película ”Catorce horas”. Al año siguiente le ofrecieron el papel coprotagonista de “Solo ante el peligro”, junto a Gary Cooper y como se suele decir, el resto es historia del cine. 

Su siguiente film fue “Mogambo” (1953), junto a Clark Gable y Ava Gardner, por el cual fue candidata al Oscar como mejor actriz de reparto y en el que, en mi modesta opinión, se la comía Ava Gardner con patatas a nivel de actuación, de intensidad interpretativa y por que no, incluso de fotogenia. “Mogambo” es famosa por dos detalles. Extrañamente, no tiene banda sonora (y sí, reconozco que la primera vez que la vi me costó darme cuenta de que era por eso que las escenas de beso me resultaban raras). Además, en España, fue famosa por la cazurrada que hizo con ella la censura. Para evitar que Grace Kelly, cuyo personaje estaba casado, coquetease impunemente con Clark Gable y le pusiera a su señor esposo unos cuernos que no son ni normales, la convirtieron en la hermana de su marido, montando un tremendo lío incestuoso. España no hay más que una y como decía mi abuela, menos mal.

En 1954, ganó un Óscar a la mejor actriz principal por el drama “La angustia de vivir”, coprotagonizada por Bing Crosby y William Holden. Al año siguiente, trabajó con Alec Guinness en “El Cisne”, un melodrama principesco, que a día de hoy, es una de las películas por la que más se la recuerda. 

Su última película fue “Alta sociedad” (1956), nuevamente con Bing Crosby. Se trata de un remake de “Historias de Philadelphia” que sinceramente, nunca se tenía que haber hecho, porque no le llega al original ni a la suela del zapato. Por supuesto, ni Bing Crosby, ni Frank Sinatra ni ella, se acercan ni de lejos a Cary Grant, James Stewart y Katharine Hepburn. Lo único por lo que vale la pena verla, es por la incomparable Celeste Holm, magnífica secundaria fallecida recientemente, a quien también pudimos ver en otro magnífico papel en" Eva al desnudo", junto a Bette Davis.

Siempre se ha dicho que mantuvo romances con casi todos los actores con los que había trabajado, como Clark Gable, William Holden, Bing Crosby y Cary Grant. Pero permaneció soltera hasta que, como todo el mundo sabe, abandonó el mundo del cine y se casó con el Príncipe Rainiero de Mónaco.

El 13 de septiembre de 1982, sufrió un accidente cuando conducía por una carretera cercana a Mónaco, la misma que aparece en “Atrapa a un ladrón”, cuando va de picnic con Cary Grant y mantienen el famoso diálogo sobre “¿qué prefieres, muslo o pechuga?”.

El Club de los 27

La gente de La N Flotante han organizado para este mes su segundo ciclo de cine, en torno al mito del club de los 27. Cada jueves del mes proyectarán en Rivendel Restobar una película relacionada con las cuatro leyendas del rock que murieron antes de cumplir los 28: Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Kurt Cobain. La entrada es gratuita y la película, en VOSE. Hoy a las 20.00 h toca el segundo pase, cuyo protagonista será Jimmi Hendrix (no hemos llegado a tiempo para el primero, que era sobre Jim Morrison).

Jueves 13 de septiembre

JIMI HENDRIX • “Jimi Hendrix” (Joe Boyd, John Head y Gary Weis, 1973) (documental)

Jueves 20 de septiembre

JANIS JOPLIN • “Janis” (Howard Alk, 1974)

Jueves 27 de septiembre

KURT COBAIN • "Kurt Cobain: about a son" (A. J. Schnack, 2006)

Blade Runner

Los Scott están un poquito insistentes, por no decir pesaditos, con Blade Runner. Si no tuvieramos bastante con Ridley diciendo que quiere hacer una precuela de Blade Runner (miedo me da), su hijo Luke ha hecho un corto titulado "Loom", cláramente inspirado en el universo de la película. Si queréis darle un vistazo, aquí lo tenéis, eso sí, con subtítulos en ingles.

Por otra parte, su padre sigue explotando el filón, y aprovecha el 30 aniversario de la película (que será el mes próximo) para anunciar una nueva edición en Blu-ray, que saldrá a la venta el 23 de octubre. Será una edición de 3 discos e incluirá nuevos extras y un libreto de 72 páginas con bocetos, fotografías y pósters. La edición limitada irá acompañada de la figura de un spinner. 

Yo, personalmente, me quedaré con la antigua versión en DVD de 5 discos, la famosa "maleta", que incluía las tres versiones de la película, extras, figuritas y bocetos. La conseguí de segunda mano el año pasado por 25 euros y considero que aún puedo sacarle mucho jugo. Que vuelvan a intentar venderme lo mismo, con algunos extras más, empieza a sonarme a George Lucas.

Este es el trailer que han preparado para promocionar la nueva edición. De momento, no parece despertar muchas simpatías entre el público, que echa de menos la música de Vangelis (cosa lógica, por otra parte). ¿A vosotros que os parece?

Recordando cines: Rex

Junto a La Casa del Chavo, el Gran Teatro y la actual AEAT

 

El cine Rex se encontraba en la Avenida Calvo Sotelo, al lado de la Tesorería de la Seguridad Social  conocida comúnmente por la Casa del Chavo (por la moneda de 10 céntimos, 1 chavo, que pagaban en su día los obreros como cuota a la Seguridad Social).

Lo que luego sería el Rex, nació como Gran Teatro en 1923, con una fachada repleta de ramilletes, bustos que surgían de medallones y detalles recargados, y se dedicaba principalmente a la zarzuela. En 1924, como el público se decantaba más por el cine, pasó a llamarse Gran Cinematógrafo. Fue el cine más reticente en abandonar el cine mudo, que acompañaban con violín, piano y violonchelo.

En 1943, el Gran Cinematógrafo pasaba por una mala situación y se hizo cargo de él la familia Pechuán, que encargó una cambio de estilo al arquitecto Javier Goerlich. Sólo se le hicieron dos recomendaciones: belleza y lujo. A partir de 1945, ya con el nombre de Rex y decorado por Arturo Boix con tintes neobarrocos, se convirtió en uno de los cines más lujosos y emblemáticos de Valencia, con capacidad para 1466 personas.

En el hall se intaló una impresionante lámpara fabricada por Mariner (en la Calle Jesús) que se decía que era una réplica de la de "El fantasma de la Ópera" de Arthur Lubin, aunque a mi siempre me impresionó más el suelo del vestíbulo, de marmol blanco y negro, que formaba el dibujo de una rosa de los vientos.

Dicen que en aquella época, en el Rex se hacían los estrenos de alto copete en Valencia, de esos a los que la gente iba con traje de noche. No sé hasta que punto es cierto o una exageración, pero lo que sí que es verdad es que cuando se estrenó por fin "Lo que el viento se llevó" en Valencia, en 1949, casi 10 años después de su año de producción, lo hizo en el Rex.

La última vez que fui allí fue en 1992. Vimos "Héroe por accidente", una comedia con ciertos toques agridulces protagonizada por Dustin Hoffman, Andy García y Geena Davis. No disfrutamos demasiado la película, porque en el edificio colindante estaban de obras y se oían ruidos continuamente. Comentamos que sería conveniente no frecuentar el Rex, hasta que los obreros no terminasen su trabajo. Es ese momento, no sabíamos que cerraría sus puertas poco después, en 1993.

Aunque durante un tiempo, se insistió en la necesidad de respetar la fachada, al final no se hizo nada al respecto. A día de hoy, el emplazamiento del Rex lo ocupa un bloque de cemento y cristal, al que yo no encuentro ningún encanto, y que no pega ni con cola con el resto de edificios de la manzana, ocupado por la Agencia Estatal de la Administración Tributaria.

De la famosa lámpara nada se sabe. Se rumorea que como no sabían que hacer con ella, llamaron a Mariner, por si se querían hacer cargo, pero que no la quisieron. Supongo que pensaron que, como el Rex,  ya no estaba de moda.

Libros de cine: "La Guía del Vídeo-Cine"

Hoy soy una cinéfila feliz. Tengo en mis manos un ejemplar de "La Guía del Vídeo-Cine" de Carlos Aguilar, ese mítico mamotreto azul de 1.350 páginas y con información sobre 18.500 títulos. La versión actual sobrepasa los 30.000 películas y llega casi a las 2.000 páginas, pero yo de momento me conformo con la cuarta edición, de 1992,  de segunda mano, por obra y gracia de la librería de lance que hay detrás de mi trabajo. A la hora del almuerzo, me he pasado a dar una vuelta y ahí estaba, mirándome con ojos golositos y un cartel que decía: 9 euros. 

La primera de estas guías que pasó por mis manos, debió de ser la primera edición, la de 1986, que compraron en la biblioteca de mi pueblo. Para mi desgracia, la tenían en la sala de adultos, a la que a mí, a mis tiernos 13 añitos, no me dejaban entrar (hasta que no hiciese los 14, decía la normativa). La bibliotecaria, que vigilaba la entrada como un perro cancerbero, me devolvía a la sala infantil en cuanto me veía rondando el tomo azul de las puñetas, pero no pudo evitar que en varias ocasiones le echase un ojo.

Se trata de una obra de consulta, en la que de cada película se nos indica título en castellano, título original, país, año, director, intérpretes, un breve resumen/crítica, duración, color o blanco y negro, y quien la ha editado en nuestro país. Las críticas de Aguilar son breves, pero intensas, y no se corta un duro en poner a bajar del burro al más pintado, por famoso y reconocido que sea, si cree que la película es mala. De la misma forma que alaba la película si lo ve conveniente, sin casarse con nadie.

Aguilar empezó a hacer fichas de las películas que veía, con los datos de la cartelera y su opinión, cuando tenía 13 o 14 años, y de ahí vino la idea de hacer "La Guía del Vídeo-Cine". Con los años, lo del vídeo desapareció y se quedó en "Guía de Cine", y si no recuerdo mal, la última actualización fue en 2009. Curiosamente, en esta época de internet, con imdb o filmaffinity, en las que puedes consultar on line cualquier dato sobre una película, está guía, editada en papel, se sigue vendiendo y actualizando. ¿Por qué? Pues no lo sé. Quizás nos gusta poder palparlo y no leerlo en la pantalla de un ordenador. O quizás, en mi caso, supone mi tardía venganza contra la bibliotecaria.

Canciones de cine: I say a little pray (for you)

Julia Roberts y Rupert Everett en "La boda de mi mejor amigo" (1997)

Hoy, por petición popular, tenemos en el apartado canciones de cine, “I say a little pray (for you)” de "La boda de mi mejor amigo" (P.J. Hogan, 1997). Se trata de una canción de 1967 compuesta por Burt Bacharad y Hal David, que en su momento popularizó Dionne Warwick, aunque también fue muy conocida la versión que hizo Aretha Franklin en 1968.

“La boda de mi mejor amigo” es una comedia romántica muy divertida que da exactamente lo que promete. A sus 27 años (ya sabéis como son los yanquis con esto de las edades, que no se las creen ni ellos), Julianne Potter (Julia Roberts) es una cínica crítica gastronómica neoyorkina que se encuentra muy a gusto con su soltería, hasta que su mejor amigo y antiguo ligue fallido, Michael O´Neal le comnunica que va a casarse con Beverly Wallace (Cameron Diaz). Entonces, descubre que siempre ha estado enamorada de Michael y lía a su editor y amigo George (Rupert Everett) para que le ayude a evitar la boda.

En la escena que nos ocupa, George (que es gay) se ha visto obligado por Julianne a hacerse pasar por su prometido delante de Michael, Kimberly y la familia de esta última. Durante la comida, en un restaurante donde sirven marisco unos camareros disfrazados de langosta (atención al vídeo porque los camareros no tienen desperdicio), cuando le preguntan como se conocieron, decide vengarse de Julianne y contar una envesada historia que la haga quedar en evidencia: Julianne hizo una mala crítica de un chef que debido a ello se volvió loco y se conocieron en el psiquiátrico, donde George había ido a visitar a un conocido que se creía Dionne Warwick (por cierto, tía de la desaparecida Whitney Houston), y que al verla, comenzó a cantar la canción, que es inmediatamente coreada por el resto de asistentes a la comida.

Esta escena, en apariencia sencilla, fue un suplicio de rodar. Tardaron 16 días y acabaron todos hasta el gorro de tanta toma, porque por lo visto fue complicadísimo coordinarlos correctamente a todos. La escena se rodó en un restaurante de San Francisco, en el que por supuesto los camareros no acostumbraban a disfrazarse de langostas. De hecho, era una respetable marisquería que llevaba  más de 100 años abierta y que en el momento del rodaje estaba a punto de quebrar. Cerró después de finalizado el rodaje y antes de que la película se estrenase.

Después del estreno, la escena se convirtió en mítica para los fans de la película y muchos de ellos quisieron acudir allí. Desgraciadamente, y como casi siempre, ya era demasiado tarde: el restaurante ya no existía.

Cine a 1 euro cenando en Heron City

Para los que seáis de cena y cine, y os acople el horario entre semana, los martes del mes de septiembre, consumiendo un mínimo de 15 euros por persona en alguno de los restaurantes de Heron City a partir de las 20.00 horas, podréis adquirir vuestra entrada para los Kinepolis a un euro. Tenéis que canjear el  ticket por un vale para el cine, de 20.00 horas a 24.00 horas en Heron City, el mismo día de la consumición (con un límite de 300 entradas por martes). Los vales sirven de lunes a jueves, hasta la fecha de caducidad indicada en los mismos.

Los 6 James Bond

El canal temático Sky Movies 007, con motivo de su lanzamiento, celebra el 50 aniversario de James Bond emitiendo todas su películas de forma ininterrumpida. Y para promorcionar el evento, han hecho un montaje de vídeo en el que aparecen los seis intérpretes oficiales (Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig) en una misma persecución de coches. Se han utilizado fragmentos de "007 contra el Dr. No", "Al servicio secreto de Su Majestad", "La espía que me amó", "Alta tensión", "Goldeneye", "El mundo nunca es suficiente" y "Quantum of Solace". A ver que os parece. A mi me ha encantado como se miran Roger Moore y Pierce Brosnan.

Yvonne Blake

Yvonne Blake y Audrey Hepburn en el rodaje de "Robin y Marian" (1976)

La diseñadora de vestuario Yvonne Blake ha recibido el Premio Nacional de Cinematografía 2012, concedido por el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, por "dedicar su actividad profesional al cine español con rigor, elegancia y creatividad". El fallo ha sido unánime y ha premiado "una profesión técnica imprescindible para la industria cinematográfica", según indica el comunicado del Ministerio. El galardón, dotado con 30.000 euros, está destinado a recompensar la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra hecha pública durante 2011. 

Yo no tengo nada en contra de esta señora, a quien me parece genial que le den un premio, pero tampoco estaría mal que el premio fuese un reconocimiento sin aportación económica, dado como están las cosas en este país, y que hay galardones muy prestigiosos que no implican dotación monetaria para el ganador, sin ir más lejos los oscars.

¿Y quién es esta señora de apellido inglés a la que otorgan un premio relativo al ámbito cinematográfico español? Yvonne Blake, que nació en Manchester en 1938, pero es española, ha vestido a gente como Marlon Brando, Audrey Hepburn, Ava Gardner, Robert de Niro, Sean Connery o Elisabeth Taylor. 

Comenzó trabajando en la casa Bermans, donde diseñaba desde modelos para las películas de terror de la Hammer hasta vestuario para Margaret Rutherford. Con 22 años realizó su primer vestuario para una película: "La Venus de la ira" (1955), de Daniel Mann, en la que vistió a Sofia Loren.

Ganó un oscar por “Nicolás y Alejandra” (1971) de Franklin J. Schaffner y fue nominada “Los cuatro mosqueteros” (1975) de Richard Lester. Ha participado en películas como “Fahrenheit 451” (1966), “Jesucristo Superstar” (1973), “Robin y Marian” (1976), “Superman” (1978) de Richard Donner o “Los señores del acero” (1985) de  Paul Verhoeven. 

En nuestro país, ha ganado cuatro Goyas por “Remando al viento” de Gonzalo Suárez, “Canción de cuna” de José Luis Garci, “Carmen” de Vicente Aranda y “El Puente de San Luis Rey” de Mary McGuckian.

Como dato curioso, destacar que cuando trabajó en la adaptación cinematográfica de “Superman” tuvo bastantes problemas con la tela del traje de Christopher Reeve, porque al ser fibra no transpirable y coincidir con el color de la pantalla azul para los efectos especiales, tuvo que hacer muchísimas pruebas hasta encontrar el tono exacto que solucionase el problema. De hecho, una escena en la que Superman debía pasar por una zona con llamas, se eliminó del montaje final porque no consiguió evitar que se le marcasen cercos de sudor en las axilas, dado que la tela no transpiraba, y se supone que Superman no suda.

Michael Clarke Duncan

Tom Hanks y Michael Clarke Duncan en "La milla verde" (1999)

 

"Tengo ganas de que acabe todo esto de verdad, estoy cansado jefe, cansado de recorrer el mundo solo como un gorrión bajo la lluvia, cansado de no tener un amigo con quien estar, que me diga donde vamos, con quien venimos y por qué. Cansado de las personas que son feas con las otras, estoy cansado del dolor que siento yo y oigo por el mundo cada día, hay demasiado dolor, son como trozos de cristal por mi cabeza, que no puedo quitarme, ¿Puedes entenderlo? "

Son palabras de John Coffey al jefe Paul Edgecomb (Tom Hanks) en “La milla verde” (1999), la película de Frank Darabont basada en el relato de Stephen King, “El pasillo de la muerte”. Michael Clarke Duncan, el actor que interpretó a John Coffey, nos dejó ayer víctima de un infarto.

Clarke tenía un tamaño impresionante (1,92 metros y 130 kilos), lo que le proporcionó un papel secundario en Armageddon (1998), en el que interpretaba a uno de los perforadores petroleros de Bruce Willis. Cuentan que hizo mucha amistad con él, hasta el extremo de que Willis le consiguió el papel de Coffey en “La milla verde”, por la que ganó el oscar al mejor actor de reparto. En mi opinión, lo mejor de la película, en la que comparte estrellato con Tom Hanks, un actor para mi gusto supravalorado y al que encuentro más soso que una mata de acelgas desde que dejó de hacer comedias y se volvió un actor "serio".

Desde el principio de su carrera, Clarke ha trabajado como doblador de películas de animación para Disney (“Hermano oso”), Padre de familia y DreamWorks (“Kung Fu Panda”). De hecho, su último trabajo fue el doblaje de Kilowog en “Green Lantern” (2011).

También apareció en varias comedias como “Falsas apariencias” (2000), “Pasado de vueltas” (2006) y “Escuela de pringaos” (2006); y en bastantes películas de ficción como “Daredevil” (2003), “El planeta de los simios” (2001), “Sin City” (2005) o” La isla” (2005), siendo el candidato ideal para papeles de tipos gigantones y fuertes, pero con los que siempre logró transmitirnos algo.

Canciones de cine: Pop! goes my heart

Scott Porter y Hugh Grant en "Tú la letra y yo la música"

No, no me refiero a bandas sonoras, eso que según dice la Streisand en "El amor tiene dos caras" sube de volumen cuando la gente se besa en las películas, para que nos lo creamos. Me refiero a canciones que se interpretan en una película. A veces son versiones de canciones previas y a veces se componen adrede para la película, pero en cualquier caso, quedan irremediablemente ligadas a ella.

Este último es el caso de la que nos ocupa hoy: está compuesta específicamente para la película "Tú la letra y yo la música" (2007) de Marc Lawrence, protagonizada por Hugh Grant y Drew Barrymore. Se trata de una comedia romántica que se queda un poco a medio camino de todo, porque ni es especialmente comedia ni profundamente romántica. La historia trata de un duo de música pop de los 80 llamado Pop!, que se disuelve, triunfando uno de sus miembros en solitario, mientras que el otro, Alex Fletcher, interpretado por Hugh Grant, termina actuando en remembers para cuarentonas que fueron fans del grupo a los 15. Vamos, lo que viene a traducirse en una parodia de la historia Wham en la que Hugh Grant sería Andrew Ridgeley, el compañero de George Michael del que nadie recuerda el nombre (yo sí, pero vamos, la mayoría de la gente, no). Esta parte del argumento es la que da lugar a las escenas más cómicas de la película, la mayoría de ellas de la mano de Kristen Johnson, que interpreta a la hermana de Drew Barrymore, fanática de Hugh Grant desde la adolescencia. 

 

Fletcher está preparando su retorno a la fama, componiendo para la estrella juvenil del momento, pero, acostumbrado a hacer las canciones con la ayuda de su ex-compañero, está en pleno parón creativo. Hasta que por casualidad, la chica que sustituye a su jardinera, Drew Barrymore, empieza a ayudarle con las letras. Como es lo normal en estos casos, el roce hace el cariño y además de encontrar letrista, encuentra pareja. La idea tiene su encanto, pero la improbable pareja Grant-Barrymore no termina de cuajar y el guión se va diluyendo hasta un final que deja un poco frío. Resulta una película entretenida, que se deja ver, aunque no os esperéis una maravilla.

Pero por los tres primeros minutos de la película, vale la pena que le deis un vistazo. La película comienza con el video musical del mayor éxito del grupo, la canción "Pop! goes my heart" compuesta por Andrew Wyatt para la ocasión. Se trata de una parodia de los vídeos musicales de los 80, con la típica canción tontorrona y pegadiza, de esas que se te quedan en la mente al salir del cine, sin que puedas evitar tararearla. Visualmente recuerda a Wham, pero sobretodo a Spandau Ballet, Duran Duran o incluso Aha. No se trata tanto del recurso fácil de la nostalgia, como de la capacidad para reirse de uno mismo. Que falta nos hace a todos.

Reestrenos a 3 euros en Cines Yelmo

Pues eso, que el cine se ha puesto a unos precios que da miedo y hay que buscarse la vida para poder seguir viendo películas en pantalla grande (que están hechas para eso) y sin tener que empeñar un riñón. En esa línea, los Cines Yelmo de Valencia (Avenida de Tirso de Molina) van a empezar a reponer títulos a 3 euros la entrada. Aquí tenéis la programación para septiembre, por si os puede interesar.

Yvonne De Carlo

Burt Lancaster e Yvonne De Carlo en "El abrazo de la muerte" (1949)

 

Ayer hizo 90 años que nació Yvonne De Carlo. Por desgracia, nos dejó en 2007. De Carlo, aunque nacionalizada estadounidense, nació en Vancouver, Canadá.  Se crió en su familia con graves dificultades económicas, dado que su padre abandonó a su madre y a ella cuando tenía 3 años. Su madre se empleó como camarera para mantener la economía familiar, y poder pagarle la escuela de baile e interpretación a su hija, a la que presentó a numerosos castings en Hollywood a finales de los años 30. No tuvo mucha suerte hasta que en 1940 fue elegida Miss Venice Beach y la Paramount le ofreció un contrato, cambiando su apellido (Middleton) por el de soltera de su madre. Se dice que Paramount contrató a Yvonne, porque le recordaba a su estrella del momento, Dorothy Lamour, a querían advertir de que podía ser reemplazada si le daba problemas al estudio.

Tras intervenir en una veintena de películas, en cuyos créditos ni siquiera, y después de papeles secundarios en “Ruta a Marruecos” (1942) y “¿Por quién doblan las campanas?” (1943), la gran oportunidad le llegó con el papel protagonista de “Salomé, la embrujadora” (1945), una sátira ambientada en el Oeste sobre el mito de las espías que se valen de sus encantos para lograr información. A partir de ahí, su aspecto relativamente exótico la llevaría a protagonizar películas de ambientación oriental, de aventuras y westerns. Apareció en “El abrazo de la muerte” (1949) con Burt Lancaster, “El halcón del desierto” (1950) junto a Rock Hudson o “La esclava libre” (1957) compartiendo cartel con Clark Gable y Sidney Poitier. En algunas de sus películas mostró además su talento como bailarina y cantante, como en “El paraíso del capitán” (1953)  convenció al director para que Alec Guinness bailara el mambo, haciendo ella  misma de  instructora.

Su papel más importante fue el de Séfora, la esposa de Moisés, en “Los diez mandamientos” (1956) de cecil B. DeMille, junto a Charlton Heston, Yul Brynner y Edward G. Robinson.  Cuentan que durante los castings para “Los diez mandamientos”, se sugirió para el papel de Nefertari a Audrey Hepburn y a Anne Baxter para el de Séfora. Pero Audrey fue rechazada por ser demasiada "plana de pecho" y el papel de Nefertari se le dio a Baxter, por lo que DeMille, que vio a Yvonne  en “Sombrero” (1953), le ofreció el papel vacante.

Además de filmar en los Estudios Paramount, Yvonne acompañó a DeMille y al resto del equipo a Egipto, donde se filmaban varias escenas exteriores, donde conoció a Robert Drew Morgan, un doble, con quien se casó en 1955.

En 1962 durante la filmación de una escena peligrosa en un tren en movimiento para “La conquista del Oeste”, Morgan cayó bajo las ruedas y perdió una pierna. Yvonne decidió entonces abandonar su trabajo para cuidar de su marido. 

El estudio no se responsabilizó y se negó a indemnizarlo, y pasaron graves dificultades económicas por los gastos médicos. Para paliar la situación, Yvonne decidió retomar su profesión y aceptar un papel en una serie de televisión que preparaba la CBS, de tintes góticos y rodada en blanco y negro: "La familia Monster". 

Aunque solamente duró dos temporadas, entre septiembre de 1964 y mayo de 1966, “La familia Monster”, que mostraba la vida de una peculiar y divertida familia de apariencia terrorífica en una mansión gótica, se convirtió en una serie de culto para varias generaciones y aportó a Yvonne mayor popularidad que todos sus papeles cinematográficos juntos. Gracias a la vampiresa Lily Monster, con sus mechones de pelo blanco sobre su melena negra, su maquillaje exagerado y su atuendo de inspiración oriental, Yvonne pasó a formar parte del imaginario colectivo. ¿Quién no recuerda su inolvidable forma de abrir la puerta de la mansión de los Monster?

Yvonne De Carlo y Fred Gwynne en "La familia Monster"